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        1. 为什么日本可以出这么多旋律这么好听的音乐?

          音乐有音乐理论,绘画也有绘画理论。当我们看到景致时,位于远处的东西看起来小,位于邻近的东西看起来比拟大。这个原理被称为透视法,是绘画的主要技法之一。

          但是,日本原来就没有透视法的概念,依据透视法刻画的绘画,直到18世纪中期都不存在。下面的画是传统的日本画之一。在这幅画的空间里没有远近或透视的构图,这一点将一目了然。这种空间的刻画方法,从西方绘画理论来看,是一种奇特的空间构图,但从日本人的空间认识来看,这是一种极其自然的空间形态。在这里主要的是,即使在同一空间,当时西方人和日本人对空间的认识也不同,而不是日本绘画的构图有过错的问题。

          据说远近透视法在江户时期18世纪中期从荷兰进口到日本。在有名的浮世绘师葛饰北斋的绘画中也可以看到透视法的构图。

          有名的浮世绘师葛饰北斋的绘画“富嶽三十六景、神奈川沖浪裏”

          日本的音乐与西方古典音乐完整不同。日本传统的音乐情势是音乐和演剧的融会的情势的比拟多。即使是音乐,比音的比重语言的比重很大。音乐的目标不只是让观众观赏音乐,而是向观众转达语言内容。一般来说人的右脑叫音乐脑、左脑是语言脑。在观赏音乐时人一般用右脑听音乐。但是日本传统音乐的话,因为音乐里的语言表演的比重大,所以以左脑为中心右脑左脑两个都用来观赏音乐,这样的日本音乐的特点是在器重和声的平衡的西洋音乐和器重节奏的美国黑人音乐等的世界从来没有被发明过的特点。日本的传统音乐是与旋律、节奏、和声等音乐基本要素无关。当然,五线谱等作曲理论与工具等没有存在过。

          就像日本绘画与西方的常识性伎俩无关一样,日本并不存在西方的音乐理论。因为在日本没有西方古典音乐的乐谱,音乐是从师父向弟子以口传方法为中心转达的。

          西方绘画理论(透视法等)在日本普及后,100多年过去后,西方的音乐理论(旋律和doremi等音阶和音程等概念)进入日本。在现代,我们所称的音乐是指以旋律(Melody)、节奏(Rhythm)、和声(Harmony)为基本要素构成的音乐,在西方发现、系统化的东西。日本人在19世纪第一次知道西洋的古典音乐理论。

          从那以后,日本积极接收西方古典音乐,发展成为当今的日本音乐文化。日本音乐文化的历史只有140年左右。在短短140年的时光里日本音乐在与传统音乐不同的框架下取得了宏大的发展。它发生了许多类型的音乐,许多音乐家创作了各种各样的歌曲,并在日本社会普及。在这里,我并不想夸耀各种各样的日本音乐。我想通过对日本音乐文化发展的考核,论述音乐文化成长所需的条件和环境等。

          关于这个问题,我想从五个角度来考核。

        2. 自由的创作环境和丰盛的信息环境以及积极的版权维护
        3. 音乐家之间的商讨揣摩与音乐交换带来的音乐文化发展
        4. 原创制造的压力和刺激(竞争对手的动向)
        5. 前人培育的音乐的聚集知识以及听众对音乐的熟练度和媒体及观众合理老实地评估音乐的环境
        6. 丰盛发表的舞台和空间
        7. 1. 自由的创作环境和丰盛的信息环境以及积极的版权维护

          在音乐创作中,我以为最主要的是能够自由且自动地创作。不局限于音乐,在任何创作运动中,不会挡住或干扰创作运动的环境是很主要的。自由的环境容易发生自由的构思,有时使新鲜而勇敢的创作成为可能。

          而且,我以为任何艺术表示都不应当被压制。例С���������Ĺ���如,在音乐业界拥有权利的人说“不合适时期的风行,民众难以接收。比起自己唱歌,还是让可爱的女性唱歌比拟好”等,故意提出与客观事实认识不同的自私的逻辑,给年青人的音乐盼望施加压力。因为坚定地保持权利,所以不能为年青人的活泼而觉得由衷的愉快。而且,这样的人剥夺了年青人的自由和主体性,是否认艺术可能性的可悲行动。

          不限于音乐家,从事艺术性或原创性表示的人遵照不抄袭或模拟等表示的基础规矩,是作为表示者的任务和义务。只有实行其任务和义务的人,才干被社会正当地容许自由自动的表示运动。

          反过来说,不仅是音乐家,对于艺术家来说,“表示的自由”被否认就等于失去作为艺术家的性命。我想重复强调,对于艺术家来说最主要的是能够依照自己心坎的志向和思考,自动自由地进行创作运动。但是,为了让世间承认自由的创作运动,不仅限于音乐,普遍深刻地学习各种各样的东西是必需的。我看过世界有名的音乐家坂本龙一的纪录片。他房间的书架上有很多书籍,桌子上也堆满了书。我很容易想象他出名以后还在持续学习,我对他的学习姿势怀有尊重的念头。

          音乐家各自拥有的信息量和创作才能的大小各不雷同。不断增添自己的见识和信息量,不仅是作为音乐家,而且还会进步作为人的才能。为了拓宽自己的音乐创作世界,进步创作才能,我们须要接触到更多的音乐。不只是听自己爱好的音乐,即使是自己爱好的音乐以外的音乐,也要积极地多听多种多样的音乐,拓展音乐的视野。尤其是多听国外的音乐可能会受到意外的刺激。我信任这样的刺激将有助于音乐家的成长。

          摇滚吉他中参加古典音乐元素,以惊人的速弹给吉他奏法带来大革命的吉他手Yngwie Malmsteen(英格威.玛姆斯汀)说,他很少听风行的摇滚音乐,而是听古典音乐。即使他对古典音乐有必定的懂得,他也更加深刻地学习,并在自己的音乐中参加了古典音乐的元素。从Yngwie Malmsteen(英格威.玛姆斯汀)的学习态度和他的音乐中我们也可以学到,深刻学习也是没有极限的。

          文明开化以后,欧美的音乐开端被进口到日本,不仅限于古典音乐,JAZZ(爵士)和ROCK(摇滚)等各种类型的音乐大批被引入了日本。在日本从1900年代初开端海外音乐的市场成立。特殊是战后,海外音乐的市场范围变大了。(关于进口到日本的音乐分类和音乐家的名字,请参考下表。音乐家的名字是我自己过去实际听到的,也是我自己个人受到影响的音乐家的一部分)

          Queen(皇后乐队)和Eric Clapton(艾力克.像克莱普顿)等,许多欧美音乐家都器重日本的市场,多次来到日本举行演唱会。就这样,日本的音乐环境有很多直接接触海外音乐的机遇。而且,日本的许多音乐家都受到欧美音乐家的影响,尽力从事音乐运动。

          此外,日本传统音乐与现代音乐没有持续性,处于断绝关系。在日本,继承传统音乐的人才非常少。现代日本音乐家没有从日本传统音乐中继承下来的东西,因此也没有对音乐的偏见,能够从零的状况中接收国外的音乐。而且,日本人对海外的音乐毫无抵牾,就像是干毛巾接收水分一样,不断地接收了国外的音乐。所以在日本的音乐用语,大部分是来自欧美的外来语,日语独自的音乐用语几乎不存在。

          对于音乐创作来说,原创音乐的版权得到维护也是很主要的。即使音乐家发表了一首好歌,很快就会被抄袭或者被非法复制,这样就会发生收益丧失,也会减弱音乐家的创作热忱。最主要的是,在乐曲不能得到正当评价的环境下,音乐文化的发展是无望的。一旦简略地容许抄袭和复制,从零制造原创乐曲的音乐家的机遇就会被埋没,盗版就会横行。这样一来,就连进步音乐家创作才能的机遇也是无望的。

          音乐文化的发展,不仅须要音乐家的成长,更须要音乐的听者对音乐的懂得和看法的丰盛。音乐文化是由听者的良心维护音乐的权力,音乐家接收它的恩情,音乐家也可以安心肠投入创作中去。此外,音乐文化的发展,只有音乐版权得到维护,并且音乐得到正当评价才干等待。无论是对音乐家,还是对于音乐文化的晋升来说,版权受到维护都是不可或缺的。

          2. 音乐家之间的商讨揣摩与音乐交换带来的音乐文化发展

          对音乐制造来说,最好的刺激就是优良的音乐家多在自己周围。另外,一些专业音乐家与具有雷同音乐意向的人组成乐队,经常从事音乐运动,追求自己音乐的幻想情势。被称为“日语摇滚”先驱的“はっぴいえんど(HAPPY END)”也凑集了一流的专业音乐家,是1970年结成的乐队。成员是细野晴臣、大泷咏一、松本隆、铃木茂。四位成员都是在日本音乐行业留下许多名曲的音乐家,有很大的影响力。

          除了“HAPPY END(HAPPY END)”以外,细野晴臣与高桥幸宏和坂本龙一在1978年形成电子音乐乐队Yellow.Magic.Orchestra.(Y.M.O.)。后来Y.M.O.掀起电子音乐热潮。这样在日本,为了进一步进步音乐程度,或者为了发明新的音乐,一流的音乐家组成乐队推动音乐运动。为了满足时期动向和市场需求,一流的音乐家们齐心协力发明新的音乐。从这样的挑衅中发生很多著名的曲子。

          另外,在80年代,BOOWY由于高速8节拍节奏奠定了日本奇特的摇滚。以BOOWY为首,乐队音乐盘踞音乐排行榜,同时,乐队热潮也随之兴起。由于这个乐队热潮,许多年青人组成了乐队,玩音乐。其中,通过业余乐队运动,以专业音乐家为目的的年青人也增添。我自己也在高中一年级的时候和同窗组成乐队一起玩音乐。顺便说一句,我们乐队第一次演奏的歌曲是Bryan Adams(布莱恩.亚当斯)的“Summer of ‘69”这首歌。

          到目前为止,我想说的是,在日本音乐行业高程度的音乐家互相吸引而组成乐队的情形不在少数。他们一起做音乐运动,在互相商讨的进程中发表很多名曲。越是优良的音乐家,就越能感受到一个人的音乐运动的极限。因此,多个音乐家齐心协力,发明出更好的音乐。我以为这样有机接洽在一起的音乐创作运动也很棒。

          此外,一流的音乐家凑集在一起,一起制造音乐,销售歌曲。而且,在为环境维护声援、灾祸声援、发展中国度声援等捐款的“慈善歌曲”中也有很多名曲。1984年Band Aid的“Do They Know It‘s Christmas?”、1985年和迈克尔·杰克逊也加入的U.S.A for Africa的“We Are The World”也是一流音乐家们齐心协力表演的出色歌曲。在日本坂本龙一为了维护环境而设立基金叫“ap bank”。乐队Bank Band为了声援“ap bank”由小林武史·樱井和寿被组成。可以说,Bank Band的“to U”、“ はるまついぶき”等乐曲也是从音乐家的交换中发生的。

          就这样,音乐家才干通过音乐运动做出社会贡献或给人带来欢喜。我们可以学到当音乐家志同道合时就能施展巨大的力气。音乐的力气底本就是无穷大的。同样志同道合的人们凑集在一起齐心协力发生的音乐的力气是无尽的巨大的。这里有音乐出色的原点。对于音乐文化的发展来说,活泼音乐家的交换也是非常主要的。

          日本也有不少以音乐家交换为主题的电视音乐节目。小田和正谋划的TBS电视台节目“クリスマスの約束(圣诞节的商定)”是从2001年开端的20年长寿节目。在节目中,小田和正邀请各种各样的音乐家作为嘉宾,小田和正一起唱嘉宾的歌,或者聊天。这是所谓的音乐交换节目。

          虽然刚才提出的由Bank Band主办的“ap bank Fes”不是电视节目,但在2004年开端运动,已经连续了15年的露天演唱会运动。为了支撑ap bank的环保运动,以Mr.Children的樱井和寿为中心,每年都有不同的音乐家和歌手加入和协助演唱会。

          这样,音乐家之间的团结和交换发生了许多出色的歌曲,也发生了以音乐为中心的出色运动。为了音乐文化的发展,进步每个音乐家的实力当然也是主要的因素,但是通过音乐家的音乐交换和运动,在加深人们对音乐的懂得的同时,在人道主义支援等方面,音乐对社会和人们有某种影响力是不可替代的。我信任正是由于音乐家的良心和诚意而发生的团结和交换才干成为音乐文化发展的宏大驱动力。

          在这些音乐家的运动中,值得一提的是小田和正的电视节目也是如此,坂本龙一、小林武史、樱井和寿的“ap bank Fes”也是如此,也就是说,这并不是以电视台和广告主为主开端的。而是以音乐家为主体,通过音乐的力气,为了音乐文化的成长,又为了社会贡献,音乐家自己推进的。

          在一项文章中写道,音乐家须要一个自由的环境。电视台和广告主的好处和音乐家的幻想不同。此外,电视台和广告商想要的音乐方向和音乐家想要制造的音乐方向不必定是一样的。这样,两者的利害不一致的情形也很多。关于艺术和文化商业化的问题,我不会在此论述,但我想用另一个机遇来论述。如果说只添一句话,那么在疏忽或鄙弃音乐家意向的体制下,音乐文化的发展并不容易。我主意音乐文化应当由音乐家自己来成长。

          3. 原创制造的压力和刺激(竞争对手的动向)

          我一开端就说创作须要一个自由的环境。然而,创作还须要压力和刺激。这两者似乎是抵触的,但绝不抵触。用火的比方来阐明吧。所谓自由的环境是指空气即氧气丰盛,没有挡火的风雨的状况。所谓压力和刺激就像是所谓的火柴和打火机等用于点火的工具。如果两者都没有,火就不会燃烧。音乐创作火焰燃烧的条件也是一样的。

          有一个没有自由的环境。在这里,例如,不应当应用乐器发出声音。你不能听音乐。另外,你一天要工作18小时。在这种环境下,你能创作出出色的曲子吗?反过来说,所有用于乐器和音乐创作的装备都配备齐全,有一个没有任何压力的环境。在这个自由的环境下,你也意外地不会出现出创作热忱。为什么创作热忱不出现?答案很简略。因为没有理由和动机现在就必需在这里创作名曲。因为你太自由,所以也会从创作出色音乐的使命感和义务感中摆脱出来。在那里,要挟自己作为音乐家存在的对手呈现在你面前。即使你听了,对手创作的歌曲也是一首很棒的歌曲。很多粉丝已经爱他的音乐。看到这样的对手,你的创作热忱一下子燃烧起来。“我来写一首比他的歌更出色的歌!“你在五线谱前,埋头于作曲工作。然后,不久你将完成一首令人满意的出色歌曲。

          无论是奥运活动员还是音乐家,竞争对手的存在都会让你成长。假设你也有爱好你的歌曲的粉丝。这位粉丝还爱好竞争对手的歌曲,盛赞竞争对手的歌曲很棒。而且,粉丝们告知你,你做不到比竞争对手更好的歌曲。到那时,你的心境应当不会安静。“我要写一首比那首更出色的歌!“你立刻开端创作曲子。这样在创作运动中,对你自尊的刺激也是一个主要因素。

          前述的小田和正的谋划的节目“圣诞节的商定”。在第一次节目,小田和正决议邀请山下达郎作为嘉宾。当时,小田和正和山下达郎是“水火不容”的关系,小田和正为了在节目中一起唱山下达郎的“クリスマス・イブ(Christmas Eve)”,给山下达郎写了一封信。这封信的内容的一部分如下。

          【小田和正给山下达郎的信】现在,我在想主要的事情是什么。主要的是,要承认、爱和尊重生涯在同一时期的发明音乐的人们。我想在这个节目中表达这个意义。(中略)我信任,无论是作为音乐,还是作为音乐文化的树立,音乐家们通过直接交换,都有可以前进的处所。

          当时,山下达郎视小田和正为对手,不,反而仇视他。成果,山下达郎谢绝小田和正的邀请,但山下达郎在回信中坦言,他受到小田和正的音乐刺激,创作了“クリスマス・イブ(Christmas Eve)С�����������й�”。

          【山下达郎的回信】底本这首歌“クリスマス・イブ(Christmas Eve)С���ʦ��Ƶ”是受OFF COURSE(小田和正的乐队)的启示而创作的。当时,青山公寓的一楼是OFF COURSE公司,二楼有我所属的事务所。那个时候我也是刚满30岁的任性时代。对于在乐队受挫的我来说,OFF COURSE是一个非常主要的竞争对手。如果敌人(失礼!)是乐队合唱,我就一个人合唱抗衡。由于年青的原因,我想到了很多这样的事情。

          山下达郎也小田和正一样的超一流的音乐家,山下达郎的音乐生活中,对手即小田和正的存在是主要的存在。日本音乐的发展,无论是国内还是国外,在众多音乐家和音乐的刺激下,都有了自己的发展。我把日本音乐发展轨迹的一部分作为表格制造出来了,请看。呈现在这里的音乐家是从我个人听过的音乐中专断专行选择的。

          话题脱轨。在日本的传统绘画中,没有应用西方的空间表示伎俩。但是,从西方的角度来看,日本绘画的空间看起来是扭曲的,但从当时日本人的空间认识方式来看,日本绘画的空间绝对不会扭曲。反过来说,在西方画家看来,日本绘画的画法既新鲜又新奇,受到了极大的刺激。印象派画家Vincent Willem van Gogh(文森特·威廉·梵高)也应用日本绘画的伎俩,在当时刻画了崭新的作品。

          同样,日本传统音乐中,只有五音阶(CDEGA),不应用4度(F)和7度(B)的音程。在西方音乐理论中,七音阶(CDEFGAB)是常识。只有5音阶的这个音阶在日语中被称为“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶,从西洋音乐的感到来说,听起来像是被称为不完整骨骼音乐的不稳固的音乐。但是,对“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶觉得新鲜和惊讶的,与梵高同样印象派的Maurice Ravel(莫里斯.拉威尔)和Claude Debussy(克劳德·德彪西),用约“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶,创作曲子。Claude Debussy(克劳德·德彪西)的“亚麻色头发的少女”是一首有名的“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”乐曲。

          这就是日本传统的表示方法在西方艺术家看来异想天开,将极大的刺激带给西方人,为西方传统艺术奠定了新的艺术空间的一个例子。Vincent Willem van Gogh(文森特·威廉·梵高)也是印象派画家,Maurice Ravel(莫里斯.拉威尔)和Claude Debussy(克劳德·德彪西)也是印象派音乐家。接收了日本奇特表示方法的西方艺术家,都是印象派艺术家。我对这个问题也很感兴致,但我不在此阐述。

          4.前人培育的音乐的聚集知识以及听众对音乐的熟练度和媒体及观众合理老实地评估音乐的环境

          在好音乐普及的环境中,必定会有好的听者存在。没有好的听者就不可能有好的音乐。此外,既有音乐家发展音乐文化的一面,也有听者发展的一面。

          日本的演歌是由听众支撑的一面很强。日本的演歌,上述的“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶经常应用,听者能感受到日本式的悼念的气氛。特殊是以老人为中心很受欢迎。爱好演歌的人一般一辈子都会一直听下去。演歌的歌迷支撑演歌的发展,而为了把演歌传给下一代,歌迷们扶持着演歌的歌手们。顺便说一下,演歌在台湾也经常被听到,曾经有被敬慕的时代。

          日本的演歌在大陆和香港,不像台湾那样被接收,但是,日本的歌谣歌曲比拟受欢迎。在中国,从日本歌曲中许多歌曲被翻译成中文,并由中国有名歌手翻唱。在欧美日本的音乐不太被接收。在欧美人看来,日本С��������������������Ƶ的乐曲并不被以为是爱好的。

          姑且不论,听众会正当评价自己音乐的出色之处,很多粉丝都会爱自己的音乐。这对音乐家来说是进一步成长的契机,也是一件非常愉快的事。在日本,有许多电视音乐节目和音乐杂志等介绍和评估音乐家。由于音乐节目和音乐杂志的大批存在,音乐家可以受到更多的刺激,听者可以懂得到更多的乐曲和乐曲信息。就这样,日本的音乐市场在大幅成长的同时,听众对音乐的懂得水平和熟练度也在不断增添。

          为了音乐文化的发展,这样客观地评价音乐的环境也是不可或缺的。尤其是听众的视听程度越高,对音乐家的音乐请求程度也就越高。在这样的环境下,音乐家也不能发表半途而废的乐曲,压力和刺激变大,另一方面,当乐曲被正当评价时,该乐曲的价值自然变高。

          我初中的时候,比起日本的音乐,我更爱好欧美的音乐。小林克也担负音乐节目主持人的“BEST HIT USA”是欧美音乐专业的节目,我每周都很着迷地看这个节目,听欧美的风行歌曲。另外,在日本,MUSIC FAIR(富士电视台,1964年~)、MUSIC STATION(朝日电视台,1986年)、COUNT DOWN TV(TBS,1993年)等,音乐相干的长寿节目也比拟多。

          另外,日本的音乐杂志也有向民众的一般的音乐杂志。此外,还出版了许多专业性高的杂志,如吉他和贝斯等乐器杂志和各种音乐类型的杂志,以及以每种音乐生涯场景为主题的杂志等。其中,“YOUNG GUITAR”杂志是我爱好和经常浏览的杂志之一。

          由于大批的音乐和音乐相干的信息从国外流入日本,所以日本的音乐家在制造音乐时,可以参考和应用这些信息。另外,1945年日本战败后,一些歌谣曲开端风行的时时候到现在为止的75年左右的期间,在日本发表了很多乐曲。在75年里,我们有统计数据和经验知识有哪些特点的歌曲会风行起来。在这个答复中几次成为话题的“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶,虽然对发明日本式的气氛是有效的,但是是老年人经常爱好听的曲调,在演歌这个有限的世界里经常被应用。日本的歌谣曲和J-POP的风行歌曲之中,基础上没用“ヨナ抜き(四七抜き:不含四七音程)”音阶,不过,许多风行歌曲里所谓的“王道和弦(Chord)进行”经常被应用。

          从这里开端包括音乐理论,所以对音乐理论不感兴致的人,请从这里跳到第5项的开端,再从第5项开端读下去。

          在日本的风行歌曲中,频繁应用的和弦进行是“王道和弦进行”。应用“王道和弦进行”,曲风成为日本人爱好的曲调。应用“王道和弦进行”的风行歌曲非常多。看来“王道和弦进行”是日本人听起来很舒畅、而且日本人非常爱好的和弦进行的次序。“王道和弦进行”是4536过程,基础情势是F→G→Em→Am。从这里开端,全体作为Key=C进行说明。4536的数字是表现音程的度数表现。C=1度=do、D=2度=re、E=3度=mi、F=4度=fa、G=5度=so、A=6度=la、B=7度=ti(Si),1度、2度等用度数表现音程。很难懂得的人可以以为度数的流程是贝斯音的流程。

          应用“王道和弦进行”的歌曲有スピッツ(Spitz)的“ロビンソン(Robinson)”、平井坚的“瞳をとじて(闭上眼睛)”、Mr.Children的“HANABI”等。你将很容易地找到几百多首的应用“王道和弦进行”的风行歌曲。“王道和弦进行”是作为日本人爱好的和弦进行,也是被民众普遍接收的和弦进行。在音乐民众化的潮流中,“王道和弦进行”的效率变得更加显明,许多音乐家懂得到,应用“王道行进”,更容易制造出热点歌曲的热点法则。于是,故意应用“王道和弦进行”,并且不费力,轻易地大量量生产热点风行曲的三流音乐家也出来了。如果轻易陷入和弦依附,独创且原创的空间减少,就容易增添与过去歌曲类似的歌曲。成果,我们也要注意不会发生有特点、有个性的歌曲的弊病。

          幸田来未的“梦之歌(悲梦之歌)”因为抄袭而引起一时骚动。这首歌也应用了“王道和弦进行”,和弦依附很强,没有特殊的创意,旋律也是司空见惯的极其普通的。在这首歌,创意不足是事实,被以为是抄袭也是没措施的。即使不是抄袭,如果创意不足的乐曲增添,音乐就会形同虚设。音乐家应当认真决胜地创作每一首歌,而不能依附轻而易举的创作方式。

          顺便说一下,在名曲中,世界上应用最多的和弦进行被称为“pop punk chord progression”,和弦进行是1564进行,基础情势是C G Am F。应用“pop punk chord progression”的著名的歌曲有Aha的“Take On Me”、Scorpions的“Still Loving You”、Adele的“Someone Like You”、Enya的“May It Be”等等。虽然没有比“pop punk chord progression”更多地应用,但其他常用的和弦进行还有卡农和弦进行。以大家都知道的帕赫贝尔乐曲“卡农”为基本的和弦进行,次序为15634145进行,基础情势为C→G→Am→Em→F→C→F→G。KAN的“愛は勝つ”,大事マンブラザーズバンド “それが大事”等,也是卡农和弦进行应用的歌。另外,Let It Be进行(1564进行,C→G→Am→F)也很著名经常应用。The Beatles(甲壳虫乐队;披头士)的“Let It Be”的高潮部分的和弦进行的。应用这个和弦进行的歌也有TOTO(托托乐队)的“Africa”和电影“冰雪奇缘”的“Let It Go”等。

          有不少音乐家以为,如果充足应用热点歌曲中经常应用的和弦进行,自己也可以批量生产热点歌曲。事实上,有经验胜利地应用“王道和弦进行”和“pop punk chord progression”发生热点歌曲的音乐家可能意外的多。“王道和弦进行”在日本被普遍应用,但在欧美应用的例子并不多。但是,在欧美风行Eurobeat(欧陆节拍)的时候,配合欧陆节拍的节奏感,在Eurobeat(欧陆节拍)的乐曲中融会了“王道和弦进行”,欧美也持续呈现了应用“王道和弦进行”的热点歌曲。例如,1982年Boys Town Gang的“Can‘t Take My Eyes Off You”、1986年Michael Fortunati的“Give Me Up”、1988年Kylie Minogue的“I Should Be So Lucky”等。

          这些歌曲与J-POP的曲风相近,但Eurobeat(欧陆节拍)的节奏平衡地笼罩了J-POP的曲风,成为欧美人也容易接收的轻快音乐。这样,也可以客观地剖析过去的风行实绩偏向,并将其数据用于音乐创作。如果你试着剖析过去风行歌曲应用的是什么样的和弦进行,那么在日本你会找到“王道和弦进行”和“卡农和弦进行”等的应用情形。在乐曲创作的进程中,音乐家拼命探索出一首出色的歌曲,多次创作重复修正,重复试错,成果最终创作出来看,完成的乐曲构造就是“王道和弦进行”。实际上,在热点歌曲的幕后,这样的进程是适合的。预先有一条热点歌曲制造的胜利法则,如果依照这个法则制造乐曲,那首歌就能真正成为热点歌曲,实际上是不可能的。不能鄙弃创作运动。原创名曲不可能做得那么简略。

          另一个人,在创意尽力的成果下,掀起了一股大热潮的就是小室哲哉。作为制造人,小室哲哉亲自作曲,小室为许多歌手供给了乐曲。从小室接收乐曲的歌手们被称为“小室家庭Family”。小室哲哉曾经在乐队“TM NETWORK”应用电子音乐展开有紧张感的摇滚乐,后来还影响“B‘z”。小室开端个人运动后,施展自己作为制片人的才能,向世人传布与以往音乐不同的奇特音乐世界观。小室经常应用的和弦进行是“小室和弦进行”(6451进行、基础型Am→F→G→C)。“小室和弦进行”是从Am开端,从黑暗的氛围改变为明亮活跃的氛围的旋律展开。可以毫不夸大地说,这首以“小室和弦进行”为基本的乐曲奠定了J-POP音乐的一个时期“小室时期”。

          随着音乐的发展,各种乐曲相继宣布,风行的情势也随之产生变更。这种变更是由音乐家的创意所带来的,而小室哲哉的音乐运动也象征着音乐文化的变更。小室哲哉底本是作为乐队成员活泼的,后来作为制造人让几个乐队和歌手出道。从小室时期开端,90年代,制造人将引领音乐行业。制片人的才能控制乐曲风行的要害。つんく和小林武史等的制造人的活泼也是在这个时候。坂本龙一以全世界为舞台运动,既是音乐家,也是制造人。

          有人说,从民众化到多样化的变更是现代的大潮流。有某个音乐家预测下一代的“王道和弦进行”是4156进行,F→C→G→Am。无论如何,如果说“王道和弦进行”是由于民众化潮流和听众的宏大需求而发生的音乐创作的偏向性成果,那么在多样化的时期,“王道和弦进行”就已经没有意义了。“王道和弦进行”之所以符合听众的需求,是因为听众需求的母数很大,很多人同样感到“同一首曲风”很舒畅。在民众化时期,民众心理的市场原理起作用。但在多样化时期,民众心理的市场原理不起作用。当听众的需求变得多种多样时,就不能确保关于爱好的曲子的数据母数,也很难剖析热点曲子的偏向。在现代,民众心理施展作用的市场已经消散,到目前为止的音乐市场理论也已经行不通了。无论是“王道和弦进行”还是“小室和弦进行”都可以懂得为音乐市场理论的一部分。这些“和弦进行”的应用价值在心理作用中是有意义的,但从卖不出去的观点来看,没有应用价值。不管怎样,我以为,在接下来的时期,对于能被听众接收的音乐,要害是突出音乐家的个性。

          在这里,新海诚导演的电影“你的名字。“的插曲,RADWIMPS(拉德温普斯)的”前前前世“的和弦进行来看,在副歌前是”3456进行(Em→F→G→Am)“,1度1度上升的音程,慢慢地高涨,来到高潮一下子感人的氛围出来的”6415进行(Am→F→C→G)“。我以为,该和弦进行可能不是像“王道和弦进行”那样的所谓热曲量产类型的和弦进行,但作为电影的插曲也是适合的音乐,而且是RADWIMPS(拉德温普斯)的魅力和个性充足展示的曲子。如果是与热点歌曲法则相匹配的音程,也没有表示出RADWIMPS(拉德温普斯)的个性和特点的歌曲,就没有任何意义。作为音乐家的个性和特点强烈展示出来的音乐也许才是今后的“畅销”音乐吧。

          5. 丰盛发表的舞台和空间

          在日本,Group Sounds、Folk Song、·Rock、Hard Rock、New Music、Fusion、Techno Music、New Age Music、Punk Rock、EUROBEAT、R&B、Hip Hop等,在音乐类型方面也高速多样化。在这个变更中,年青的音乐家越来越出道活泼。首先是广播播放音乐,然后在电视普及的时候,开端为了挖掘今后的音乐家的电视节目。当时,用来寻找未来音乐家和歌手的节目,最著名的节目就是“明星出生”。这个节目也发生了许多明星歌手。

          雅马哈音乐振兴会主办的ヤマハポピュラーソングコンテスト“雅马哈风行音乐大赛(POPCON)”也是新人音乐家正式出С��������˫��ed2k道的登龙门,很多有名音乐家从POPCON出道。中岛美雪、CHAGE and ASKA等也来自POPCON的音乐家。此外,为了作为专业音乐家出道的竞赛在日本各地举办,很多普通人加入了音乐竞赛。这个时候,通往专业音乐世界的门户被大大打开了。三宅裕司担负主持的いかすバンド天国“正统乐队天堂”、“ASAYAN”等,也为挖掘新人音乐家做出了宏大贡献。

          如今独立音乐(硬地音乐)市场也在成长,即使不必定要正式出道,也可以拓展作为音乐家的可能性。很多乐队以Live House或小会场的运动为中心,稳步增添粉丝的数量,发表出色的歌曲。此外,目前网络媒体也很发达。不仅是广播和电视,通过网络媒体,自己的音乐运动也成为可能。

          不仅限于日本,或者不仅限于中国,通过网络媒体也可以向全世界宣布自己的音乐。我以为对于音乐文化的发展来说,这是一个极好的环境变更。美好的音乐,也可以跨越国界,让全世界的人们听。从这个意义上说,也须要将自己的视野面向全世界,音乐的创作空间也会更大地拓展。也可以说竞争对手也存在于世界各地。而且,全世界应当也有朋友。我急切盼望今后的年青人创作出一首又一首越来越出色的歌曲。